Der folgende Text wurde in der theologischen Fachzeitschrift „Sárospataki füzetek” (Ausgabe Nr. 2/2023) veröffentlicht, die von der Reformierten Theologischen Akademie in Sárospatak herausgegeben wird. Die Ausgabe konzentriert sich auf zwei Interfilm-Seminare zum Thema Film und Religion: Das erste wurde von INTERFILM (international) in Budapest organisiert und präsentierte und diskutierte ungarische Filme zwischen Mitte der 1950er Jahre und Anfang der 2020er Jahre, das zweite wurde von Interfilm Ungarn in Sárospatak organisiert und befasste sich mit Bildschirmdarstellungen von Priestern und Pastoren. Die Ausgabe dokumentiert die Vorträge beider Veranstaltungen und enthält zusätzliche Artikel.
Die Ausgabe 2023/2 der Sárospataki Füzetek zu Theologie und Film kann hier heruntergeladen werden.
„Giving a Soul to Europe” war der Name eines Programms, für das INTERFILM zwischen 1997 und 2004 eine Reihe von Filmseminaren organisierte, vor allem in den Ländern und zur Kinematografie Osteuropas. Das Seminar „In Uncertain Times” in Budapest (26.-30. April 2023) setzte diese Veranstaltungsreihe fort und befasste sich diesmal mit der Kinematografie Ungarns.
Die Vorträge, Filmvorführungen und Diskussionen des Seminars widmeten sich der ungarischen Filmgeschichte von den 1950er Jahren bis heute. Ein Schwerpunkt lag auf den religiösen Dimensionen der Filme. Die Vorträge von Ingrid Glatz über István Szabós „The Taste of Sunshine“ und von Gabriella Rácsok, die ihre Überlegungen über das Seminarprogramm hinaus auf weitere Filme ausweitete, konzentrierten sich auf diesen Aspekt. Ein zweites Thema war die Beziehung der Filme zur ungarischen Gesellschaft und Geschichte sowie ihre Bezüge zum europäischen und globalen Autorenfilm. Der Artikel von Péter Muszatics bietet Einblicke in den globalen Kontext der ungarischen Filmgeschichte, während meine eigenen Überlegungen im Folgenden versuchen, einige Aspekte des politischen und sozialen Hintergrunds der im Seminarprogramm vorgestellten Filme aufzuzeigen.
Das INTERFILM-Seminar konnte und wollte die aktuelle politische Lage nicht ignorieren. In einem Schwerpunkt mit dem Titel „Der misshandelte Nachbar” befasste es sich mit dem ukrainischen Kino vor dem Hintergrund der russischen Militäraggression gegen ukrainische Regionen seit 2014 und gegen das gesamte Land seit Februar 2022. Claus Lösers Vortrag würdigte Vertreter der ukrainischen Filmkunst, die manchmal noch fälschlicherweise dem russischen Kino zugerechnet werden.
Das Seminar wurde von der Reformierten Kirche in Ungarn mit einem beträchtlichen finanziellen Beitrag und von der Lutherischen Kirche in Ungarn unterstützt. Die Eröffnung fand in der Péter- und Gitta-Esterházy-Bibliothek statt, die Filmvorführungen, Vorträge und Diskussionen im Corvin-Kino (Corvin Mozi), das hervorragende Bedingungen für die gesamte Veranstaltung bot.
Das Filmprogramm begann mit Béla Tarrs letztem Film aus dem Jahr 2011, „A Torinói ló” (Das Turiner Pferd), der sich, wie nicht anders zu erwarten, als große Herausforderung für das Publikum erwies. Tarr, nach wie vor einer der berühmtesten ungarischen Filmemacher, erklärte, dass dies sein letzter Film sein würde, und ist bis heute bei dieser Ankündigung geblieben. Radikal in seiner Reduktion und sich auf die subtilen Variationen wiederkehrender Elemente stützend, provoziert der Film die Erwartungen der Zuschauer, die auf ein erfüllenderes Kinoerlebnis bestehen, anstatt sich zweieinhalb Stunden lang mit immer weniger sinnlichen Eindrücken bis zum Ende in völliger Dunkelheit – oder Nichtigkeit – konfrontiert zu sehen. „Das Turiner Pferd“ präsentiert eine Apokalypse ohne und im Gegensatz zu den großartigen rhetorischen Dramen der Bibel (in der Offenbarung des Johannes) und den actiongeladenen Hollywood-Filmen. Darüber hinaus verweigert es das Versprechen des Anbruchs einer neuen Welt und der Erlösung der Gläubigen und Gerechten. Stattdessen endet das Kino selbst.
In der Diskussion wurde der Film als Apokalypse ohne Gott, ja sogar ohne jegliche Transzendenz bezeichnet. Das ist er sicherlich, aber er ist noch mehr. Am Anfang (und in seinem Titel) erinnert er an Nietzsches Erfahrung in Turin, wo er Zeuge der Folterung eines Pferdes durch seinen Kutscher wurde, Tränen vergoss, als er das leidende Tier umarmte, und für den Rest seines Lebens, das er in einer psychiatrischen Klinik verbrachte, in Schweigen verfiel. Für jeden, der mit Nietzsches Spott oder sogar Verachtung für (christliches) Mitgefühl vertraut ist, ist diese Szene ein Wendepunkt, der seine eigene Philosophie widerlegt, die den menschlichen Willen als treibende Kraft der Geschichte und als Versprechen für eine glänzende Zukunft verherrlicht und die Schwächen und Passivität einer christlichen Kultur überwindet, die von Ausdauer und dem Kult des Leidens geprägt ist. In Tarrs Film wird der menschliche Wille auf einen hartnäckigen Überlebenswille reduziert, der angesichts der Naturgewalten und des Laufs der Welt zum Scheitern verurteilt ist.
Auf Béla Tarrs minimalistische Apokalypse folgte ein Klassiker des ungarischen Kinos, Zoltán Fábris „Körhinta“ (Karussell, 1955). Der Film erzählt die Geschichte der Rebellion eines jungen Paares gegen die patriarchalische Ordnung eines Dorfes und insbesondere den mutigen Widerstand einer jungen Frau gegen ihren Vater, selbst als dieser versucht, ihre Liebe mit Gewalt zu zerstören. Eine zweite Handlungsebene, die zumindest heute eine gewisse Sympathie für den Vater weckt, ist der Konflikt zwischen seinem Beharren auf privatem bäuerlichem Landbesitz und den politischen Absichten der meisten armen Dorfbewohner, stattdessen zur kollektiven Landwirtschaft überzugehen. Der Film beginnt mit einer ikonischen Sequenz, in der sich die Liebenden auf den Sitzen eines Karussells in der Luft drehen, ein Bild gegenseitiger Anziehung, Begeisterung und Freiheit. Dennoch blieb Fábris „Merry-Go-Round“ unter den Beteiligten umstritten: Ungarische Zuschauer sahen darin einen Propagandafilm, andere einen Hinweis auf den wachsenden Wunsch nach Befreiung von der sowjetischen Herrschaft, der 1956 in dem ungarischen Aufstand gipfelte.
Miklós Jancsós „Szegénylegények” (Die Runde, 1965) kann sicherlich als Reflexion über das Scheitern und die Unterdrückung dieser Bewegung gelesen werden. Der Film spielt 1860 in einem Gefangenenlager in der Einöde der ungarischen Tiefebene und zeigt eine Choreografie der Macht, die das herrschende österreichische Militär gegen inhaftierte Mitglieder von Widerstandsgruppen ausübt, die nach der Niederlage der ungarischen Revolution 1848 ihren Kampf im Untergrund fortsetzen. Mit einer Mischung aus Befehlen, die an Absurdität grenzen, psychologischem Terror und nur gelegentlich offener Gewalt und Grausamkeit verbindet der Film Desillusionierung mit einer stillen Enthüllung der Mechanismen unterdrückerischer politischer Herrschaft.
Eine andere Herangehensweise an die gleiche Erfahrung einer gescheiterten Revolution kennzeichnet István Szabós „Apa” (Vater, 1966f), ein Frühwerk des wahrscheinlich international bekanntesten ungarischen Filmregisseurs. Seine Hauptfigur ist ein kleiner Junge, der ein idealisiertes Bild seines Vaters, eines Arztes, entwirft, den das Kind nie wirklich kennengelernt hat, da er kurz nach dem Krieg starb. Erst als junger Mann beginnt er, das wirkliche Leben der abwesenden Vaterfigur zu erforschen. Eine dominierende Fantasie, ein faszinierendes, selbst geschaffenes Bild anstelle einer fehlenden Realität und deren allmähliches Verblassen weisen offensichtlich auf die Versprechen der sozialistischen Theorie (oder Propaganda) und die enttäuschende Realität der sozialistischen Herrschaft hin; Selbstreflexion und wachsendes politisches Bewusstsein, auch wenn sie implizit bleiben, überschneiden sich.
Eine entschieden andere Welt und eine andere Weltanschauung repräsentieren die Filme von Márta Mészáros, die als erste feministische ungarische Filmregisseurin bezeichnet wird. Das Seminar präsentierte ihren Film „Örökbefogadás” (Adoption) aus dem Jahr 1975, der 1975 in Berlin mit dem Goldenen Bären und dem Otto-Dibelius-Preis der INTERFILM-Jury ausgezeichnet wurde. Der Film ist eine Mischung aus dokumentarischen und fiktionalen Elementen und porträtiert Kata, eine Frau in den Vierzigern, die allein lebt und in einer Fabrik arbeitet. Sie wünscht sich ein eigenes Kind und beschließt, nachdem sie von ihrem verheirateten Liebhaber zurückgewiesen wurde, ein Kind zu adoptieren. Der Film verzichtet auf formale Glätte und Kohärenz und konzentriert sich stattdessen auf die entschlossene und selbstbewusste Entschlossenheit einer alleinstehenden Frau, die sich der Möglichkeit eines Scheiterns bewusst bleibt. So zieht der Regisseur einen nüchternen Pragmatismus einem vielleicht eindrucksvolleren Heroismus vor. Die Reaktionen der Teilnehmerinnen und Teilnehmer reichten von Ablehnung (eines formal unbefriedigenden Films) bis zu Respekt (für einen Film, der persönlichen ästhetischen und inhaltlichen Entscheidungen folgt). Als Randbemerkung möchte ich erwähnen, dass Meinungsverschiedenheiten und Diskussionsbereitschaft zum Wesen der INTERFILM-Projekte gehören.
In chronologischer Reihenfolge, aber als letzter Film des Seminars gezeigt, folgt Ildikó Enyedis „Az én XX. századom” (Mein 20. Jahrhundert, 1989), ein weiterer Film einer Regisseurin, der jedoch noch individueller und stilistisch anspruchsvoller ist als Márta Mészaros’ „Adoption”. Als Gast des Seminars beantwortete die Künstlerin nach der Vorführung Fragen und Kommentare, was für die Teilnehmer eine echte Freude war. Die Herausforderung des Films besteht darin, das 20. Jahrhundert als ein großes Versprechen zu behandeln, das auf technischen Erfindungen wie Elektrizität, Fernkommunikation per Telegraf und Unterhaltungsmedien wie dem Kino basiert und die Fantasie beflügelt, anstatt es als ein Zeitalter beängstigender Bedrohungen wie den beiden Weltkriegen, totalitären Regimes und der Atombombe darzustellen. Die Geschichte, so betont der Film, wenn auch nur phantasmagorisch, ist nicht determiniert, sondern ein offener Prozess. Die Heldinnen des Films, weibliche Zwillinge, folgen zwei völlig unterschiedlichen Schicksalen, die eine als Anarchistin und potenzielle Attentäterin, die andere als erfolgreiche Vamp. Humor, Erfindungsreichtum und Reflexion verbinden sich zu einem großartigen Werk.
Die Ambivalenz erfüllter Träume, zumindest in gewisser Hinsicht, kommt in einem ungarischen Film aus den Anfängen des 21. Jahrhunderts zum Ausdruck: Nimrod Antals „Kontroll” (2003). Er ist auch ein Beispiel für die „Globalisierung“ des ungarischen Films, da der Regisseur als Sohn ungarischer Eltern in den Vereinigten Staaten geboren wurde, in den 1990er Jahren in Ungarn Film studierte und 2005 nach Amerika zurückkehrte. (Weitere, frühere Beispiele für ungarische Filmkünstler, die im Ausland berühmt wurden, werden von Péter Muszatics erwähnt. Im Mittelpunkt des Films steht eine Gruppe von Fahrkartenkontrolleuren in der Budapester U-Bahn, die von den Fahrgästen verachtet werden und einen spezifischen Lebensstil im Untergrund entwickeln, marginalisiert und auf alle Enttäuschungen vorbereitet. Die U-Bahn in Antals Film erscheint gewissermaßen als eine zweite Welt des Verborgenen und Unbewussten der Modernisierung, die durch die Befreiung von der totalitären Unterdrückung im Zuge der politischen Veränderungen von 1989/1990 eingeleitet wurde. Man fragt sich, ob dieses Bild einer Untergrundwelt jenseits der offiziell sichtbaren ungarischen Realität auch heute noch gültig ist.
Der neueste ungarische Film auf der Konferenz, eine internationale Koproduktion mit Lettland, Deutschland und Frankreich, „Természetes fény” (Natürliches Licht) von Dénes Nagy (2020), ausgezeichnet mit dem Silbernen Bären bei der Berlinale 2021, befasst sich mit der militärischen Zusammenarbeit Ungarns mit Nazi-Deutschland während des Zweiten Weltkriegs und erzählt die Geschichte einer ungarischen Einheit, die weit hinter der Front gegen sowjetische Partisanen kämpft. Die Bewohner eines Dorfes, die sie der Zusammenarbeit mit ihren Feinden verdächtigen, werden Opfer ihres Rachegelüstes, das nach einem Angriff geweckt und durch Unsicherheit und Orientierungslosigkeit noch verstärkt wird. Der Regisseur, der auch Gast und Diskussionspartner des Seminars ist, thematisiert die Schuld auch derjenigen, die nicht direkt an den Morden beteiligt waren. Das „natürliche Licht“ im Titel des Films ist ein trübes Zwielicht, das nicht nur das schattige Terrain des ländlichen, dünn besiedelten Hinterlands der äußeren Handlung charakterisiert, sondern auch die emotionalen und moralischen Ambivalenzen seiner Protagonisten.
Während Dénes Nagy an die Gewalt und Grausamkeit vergangener Kriege erinnert, springt der ukrainische Film der Konferenz, „Atlantis“ von Valentyn Vasyanovich (2019), in die nahe Zukunft eines Krieges, der zum Zeitpunkt seiner Entstehung bereits im Gange war und sich mit der russischen Invasion der Ukraine im Februar 2022 auf das gesamte Land ausweitete. Der Film spielt im Jahr 2025 in einer verwüsteten, nicht mehr bewohnbaren Region. Dort suchen die Mitglieder einer humanitären Mission nach verschütteten und vergessenen Kriegsopfern, die sie exhumieren, zu identifizieren versuchen und in einem würdigen Begräbnis zur letzten Ruhe betten. Es ist ein postapokalyptisches Szenario, das an Béla Tarrs Meditation über das Ende der Welt erinnert – und gleichzeitig offenbart, dass wir bereits in einer apokalyptischen Realität angekommen sind. Vasyanovich lehnt jedoch den Geist des menschlichen Widerstands nicht ab. Er manifestiert sich in der Geste, den Toten die letzte Ehre zu erweisen.