Hof, im nördlichen Oberfranken gelegen, ist bekannt für sein raues Klima. In der Regel ist es hier ein paar Grad kälter als im Rest der Republik. Doch das kann die Fans und Hardcore-Besucher der Filmtage nicht abschrecken. Auswärtige Besucher schätzen neben den Filmen die freundliche Atmosphäre, das Bier und die fränkischen Bratwürste, das einheimische Publikum genießt die internationale Auswahl an Spielfilmen, Dokumentarfilmen und Kurzfilmen - jeder kann sich sein eigenes Programm zusammenstellen.
„Neda“
Bemerkenswert waren in diesem Jahr zwei Filme, die das Leben zwischen zwei Kulturen und den Zwiespalt einer zerrissenen Identität thematisieren. Pegah Ferydoni ist Neda, die Protagonistin des gleichnamigen Films. Sie verkörpert eine selbstbewusste Frau iranischer Herkunft, die für das BAMF (Bundesamt für Migration und Flüchtlinge) als Übersetzerin arbeitet. Als sie mit dem Fall des Asylbewerbers Hamid (Navid Negahban) zu tun bekommt, der im berüchtigten Frauengefängnis Qarchak gearbeitet hat, gerät sie in eine Krise. Angeblich war er nur für die Kameraüberwachung zuständig, ist von den Revolutionsgarden desertiert und wegen seiner kranken Tochter nach Deutschland gekommen. Neda hat Zweifel an dieser Version und stellt Recherchen über Hamids Vergangenheit an. Als der iranische Geheimdienst auftaucht und sie unter Druck setzt, findet sie Zuflucht in einer WG von oppositionellen Iranerinnen, die mit militanten Mitteln gegen die Islamische Republik kämpfen.
Was als ein Psychodrama beginnt, wird immer mehr zu einem politischen Thriller, den Regisseur Ashkan Najafi spannungsvoll in Szene setzt. Pegah Ferydoni verkörpert eindringlich die Zerrissenheit der Hauptfigur zwischen ihrer neuen deutschen Identität und der traumatischen Erinnerung an die Folter im Frauengefängnis Qarchak. Der iranisch-amerikanische Schauspieler Navid Negahban, der u.a. in der Serie „Homeland“ als Al-Qaida Terrorist zu sehen war, beeindruckt als liebender Vater und hilfloser Asylbewerber, der seine brutale Vergangenheit erfolgreich zu verbergen weiß.
„Neda“, eine NDR Coproduktion, wurde in Hof mit dem Förderpreis Neues Deutsches Kino ausgezeichnet, ein Termin für den Kinostart steht noch nicht fest.
„Une affaire turque“
Der Regisseur Hüseyin Aydin Gürsoy, geboren in der Türkei, kam im Alter von drei Jahren nach Frankreich. Nach zwei Kurzfilmen ist „Une affaire turque“ (Eine türkische Affäre) sein erster Spielfilm, in den er autobiographische Elemente eingebaut hat. Mathieu, ein ehrgeiziger Geschäftsanwalt, arbeitet in einer renommierten Pariser Kanzlei und ist kurz davor, zum Partner befördert zu werden. Als er seine Eltern besucht, erfahren wir, dass er in der türkischen community in Villiers-le-Bel, einem Ort in der Pariser Banlieue, aufgewachsen ist. Seine Schwester bittet ihn, sich um einen jungen Mann zu kümmern, der als Taxifahrer Opfer eines rassistischen Angriffs geworden ist; der Täter entpuppt sich als Assistent eines EU Abgeordneten. Als Mathieu versucht, die Angelegenheit außergerichtlich zu regeln, wird er in einen politischen Skandal verwickelt, andererseits weigert sich der junge Taxifahrer, das Schmerzens- bzw. Schweigegeld anzunehmen. Er will den Fall unbedingt vor Gericht bringen. Mathieu, der eigentlich Mustafa heißt, gerät zwischen alle Fronten. In der türkischen community wird er als Verräter beschimpft, sein Chef (Charles Berling) wirft ihm vor, den guten Namen der Kanzlei in den Dreck zu ziehen. Vorbei ist es mit dem schönen Büro, man setzt ihn vor die Tür.
Es tut körperlich weh, zu sehen, wie Mathieus/Mustafas Bemühen, ein perfekt integrierter Franzose zu werden, auf so bittere Weise scheitert. Im Publikumsgespräch erzählt Regisseur Hüseyin Aydin Gürsoy, der zusammen mit Ludovic du Clary das Drehbuch geschrieben hat, wie er, ähnlich wie sein Protagonist, einen französischen Vornamen angenommen hat, um bei der Job- und Wohnungssuche nicht immer diskriminiert zu werden. „Une affaire turque“ ist im Sommer in Frankreich ins Kino gekommen, wo er von der Kritik positiv besprochen wurde. Lionel Erdogan, der fast in jeder Einstellung zu sehen ist, erinnert in seiner markant maskulinen Art an die Figur von Jon Hamm in „Mad Men“, Charles Berling agiert perfekt in der Rolle des kultivierten französischen Bourgeois, der sich in der Mittagspause eine Serviette umbindet und sich das „beste Boeuf Bourguignon“ von Paris bringen lässt. Pierre Bourdieu hätte seine Freude daran gehabt.
„Hirschfeld - Bekannter Unbekannter“
Anders geartet ist die Zerrissenheit der Hauptfigur in dem Schweizer Dokumentarfilm „Hirschfeld - Bekannter Unbekannter“. Kurt Hirschfeld war ein bedeutender Theatermann, der als Jude Deutschland 1933 verlassen und ins Exil gehen musste. Doch in der Schweiz, wo er als Chefdramaturg das Schauspielhaus in Zürich maßgeblich prägte, blieb er zeitlebens ein Fremder, ein Staatenloser. Seine Gesuche auf Einbürgerung wurden mehrfach abgelehnt. Heute ist er, wie die Filmemacher Stina Werenfels und Samir betonen, zu Unrecht in Vergessenheit geraten.
Hirschfeld wurde 1902 in Lehrte bei Hannover in einer religiös geprägten jüdischen Kaufmannsfamilie geboren. Nach dem Studium arbeitete er als Dramaturg und Regisseur am Hessischen Landestheater in Darmstadt, das als progressive Bühne bekannt war. 1933 entlassen, kam er eine Zeitlang bei Freunden in Berlin unter bis er ans Theater in Zürich eingeladen wurde. Als er 1934 dort entlassen wurde, konnte er als Lektor arbeiten und ging als Korrespondent nach Moskau, wo er als Regieassistent am avantgardistischen Meyerhold-Theater engagiert war. Als Meyerhold 1938 im Zuge der stalinistischen Säuberungen verhaftet wurde, kehrte Hirschfeld Zürich zurück. Zusammen mit dem Verleger Emil Oprecht initiierte er die Übernahme des bislang kommerziell geführten Schauspielhauses in eine von der öffentlichen Hand unterstützte Aktiengesellschaft.
Während des Kriegs holte Hirschfeld deutsche Schauspieler wie Therese Giehse und Wolfgang Langhoff an das Zürcher Theater, was in der Schweiz nicht auf allgemeine Sympathien stieß. Stina Werenfels und Samir haben einen polemischen Artikel des jungen Max Frisch in der NZZ gefunden, in dem er sich über das „Emigrantentheater“ beklagt, in dem die schweizerischen Verhältnisse zu kurz kämen. Hirschfeld besorgte auch die Uraufführung von Brechts „Mutter Courage“ mit Therese Giehse in der Hauptrolle.
Nach dem Krieg baute Hirschfeld das Zürcher Schauspielhaus zu einem führenden deutschsprachigen Theater auf und machte Schweizer Autoren wie Max Frisch und Friedrich Dürrenmatt international bekannt. Mit Frisch verband ihn eine enge Freundschaft wie seine Tochter Ruth Hirschfeld berichtet. Jeden Sonntag telefonierten die beiden von 10 bis 12 Uhr und pflegten bis zu Hirschfelds Tod, bei dem Max Frisch die Grabrede hielt, einen engen Austausch. Ein Höhepunkt ihrer Zusammenarbeit war 1961 die Inszenierung der berühmten NS Parabel „Andorra“, die in der verfilmten Fassung von Gert Westphalr als roter Faden den Dokumentarfilm strukturiert.
Wie der Film an einen heute zu Unrecht vergessenen Theatermann erinnert und dabei das politische Klima der Schweiz während der NS-Zeit und des Kriegs beleuchtet, das ist höchst informativ. Was allerdings irritiert, sind die zahlreichen Interviewpassagen auf Schweizerdeutsch, im Kontrast zu einem Off Kommentar auf Hochdeutsch. Ruth Hirschfeld, die durchgehend Schweizerdeutsch spricht, wird Englisch untertitelt, ebenso andere Interviewpartner wie der Regisseur Werner Düggelin und der Autor Adolf Muschg. Das ist für Nicht-Schweizer einigermaßen mühsam und steht im Gegensatz zur Figur von Kurt Hirschfeld, der auch in der Schweiz immer Hochdeutsch gesprochen hat.
Roger Corman and Friends
In Hof hat man immer gerne amerikanische Regisseure eingeladen. 1981 besuchte Roger Corman die Filmtage. 2026, zwei Jahre nach seinem Tod und zu seinem hundertsten Geburtstag, war ihm wieder eine Werkschau gewidmet.
Roger Corman ist eine Kinolegende, ebenso berühmt für seine Unabhängigkeit vom Studio-System wie für sein Geschick, mit geringem Budget profitable Genre-Filme zu realisieren, die wegen ihrer Sex and Crime-Elemente als exploitation movies bezeichnet werden. Mehr als 450 Filme soll er produziert haben. Unter Cineasten wird er als Kultregisseur verehrt. 1964 war er der jüngste Filmemacher, dem die Cinémathèque Française eine Retrospektive widmeten.
Zu sehen war jetzt seine frühe Produktion „A Bucket of Blood“ (Das Vermächtnis des Professor Bondi,1959), der in fünf Tagen gedreht wurde und ein Mehrfaches seiner Produktionskosten einspielte. Die Horrorkomödie macht sich lustig über die Beatniks an der Westküste und den Geniekult der Kunstszene. Der unterbelichtete Kellner Walter (Dick Miller) beeindruckt die Stammgäste in der Künstlerkneipe mit seinen makabren Skulpturen. Rückblickend bemerkt Hauptdarsteller Dick Miller: „Die Geschichte war gut; die Schauspieler waren gut, der Humor war gut; das Timing stimmte; irgendwie stimmte alles. Aber man hatte kein Geld für die Ausstattung … und darunter leidet der Film.“
Ähnliches könnte man über „Little Shop of Horrors“ (Kleiner Laden voller Schrecken,1960) sagen, den Corman auch in wenigen Tagen mit kleinem Budget gedreht hatte. Eine mysteriöse Pflanze, die ständig frisches Blut braucht, wird zur Attraktion eines Blumenladens und unter dem Namen „Audrey II“ zum Kultobjekt. Auch hier macht sich Corman über die hysterische Suche des Kunstbetriebs nach ‚frischem Fleisch’ lustig. Zu sehen ist auch der junge Jack Nicholson als Zahnarztpatient mit masochistischen Neigungen. In den 80er Jahren wurde die Geschichte wieder ausgegraben, als Musical am Broadway aufgeführt und neu verfilmt.
Roger Corman war bekannt dafür, jungen Talenten eine Chance zu geben. Einer davon war Martin Scorsese, dessen Debüt „Who’s That Knocking at My Door?“ (Wer klopft denn da an meine Tür?, 1967) Corman gesehen hatte, woraufhin er den 29jährigen als Regisseur für „Boxcar Bertha“ (Die Faust der Rebellen, 1972) engagierte. Nach dem Erfolg von „Bloody Mama“ (1970) mit Shelley Winters war Corman auf der Suche nach einem Stoff mit einer weiblichen Gangsterfigur. Seit „Bonnie and Clyde“ galt das Genre historischer Gangsterfilme als erfolgversprechend an der Kinokasse. „Boxcar Bertha“ spielt ebenfalls während der Depression der 30er Jahre. Bertha (Barbara Hershey) lernt nach dem Tod ihres Vaters Big Bill Shelley (David Carradine) kennen, der für die Gewerkschaft agitiert. Die beiden werden ein Paar und fangen an, Banken und Züge auszurauben. Als sie den Auftragskillern der Eisenbahngesellschaft in die Hände fallen, muss Bertha mitansehen, wie Bill an einen Frachtwaggon gekreuzigt wird.
Barbara Hershey sieht aus wie eine Mischung aus Hippie Mädchen und Dorothy aus dem „Zauberer von Oz“. Sie sagte später: „Wir hatten viel Spaß, aber der Film wurde von Roger Corman mit Gewalt und Sex schrecklich verstümmelt. Aber wir Schauspieler haben uns mit Marty Scorsese, dem Regisseur, gut verstanden“. Bei der Kritik stieß „Boxcar Bertha“ auf ein geteiltes Echo. Roger Ebert bezeichnete ihn als einen „seltsam interessanten Film…, der Regisseur Martin Scorsese interessiert sich mehr für die Stimmung und Atmosphäre als für die Action, die Gewalt ist immer grob und abstoßend.“
Neben Martin Scorsese waren es Francis Ford Coppola, Ron Howard, James Cameron und Jonathan Demme, die bei Roger Corman ihre erste Chance bekamen und später in Hollywood Karriere machten. Auch John Sayles fing bei Corman an und schrieb das Drehbuch zu „The Lady in Red“ (1978), der unter der Regie von Lewis Teague verfilmt wurde.
Polly (Pamela Sue Martin) verlässt ihren gewalttätigen Vater und landet in Chicago, wo sie in einer Textilfabrik Arbeit findet. Nach einer Revolte gegen den Aufseher verliert sie ihren Job, arbeitet als sogenanntes Taxi Girl und landet wegen Prostitution im Gefängnis. Später kommt sie in einem Bordell unter, das von Figuren der Chicagoer Unterwelt frequentiert wird. Einer ihrer Verehrer entpuppt sich als der berüchtigte Gangster John Dillinger (Robert Conrad), der im Kugelhagel des FBI stirbt, als er mit Polly aus dem Kino kommt. In der Presse verleumdet man sie, ihn verraten zu haben. Mit dem Geld des letzten Überfalls macht sie sich auf den Weg nach Kalifornien.
John Sayles meinte später: „Vielleicht war ich zu ehrgeizig… Ich gab ihnen ein Drehbuch von 120 Seiten und sie gaben Lewis Teague das Budget für ein Drehbuch von 90 Seiten. (Es) reichte nicht, um den Film so zu realisieren, wie ich es mir vorgestellt hatte. Er sollte richtig atemlos sein, wie James Cagney in den 30er Jahren, ein Film mit schnellen Dialogen. Stattdessen sah er aus wie ein Louis Malle-Film.“
Hof ist immer eine Reise wert. Denn der Ort ist ein Stück lebende Filmgeschichte der Bundesrepublik. Obwohl oder vielleicht gerade deshalb, weil der Ort jahrzehntelang im Windschatten des Eisernen Vorhangs lag, hat man sich in Hof nie für Filme aus Osteuropa oder der DDR interessiert. Der Blick ging immer nach Westen, die USA waren das gelobte Land wie auch für die Generation von Wenders, Herzog und Schlöndorff, die alle irgendwann dort gelandet sind. Zum 60, Jubiläum hätte sich angeboten, einen Blick auf die Geschichte des Festivals zu werfen, doch es gab nur eine Handvoll Filme aus vergangenen Jahren. Vielleicht kann man das in Zukunft nachholen.