Même en l'absence d'une forte présence américaine, le 79e Festival de Cannes a été un événement spectaculaire. Si l'on considère le festival comme un sismographe des tendances internationales, on constate que le paysage cinématographique mondial semble clairement se déplacer vers l'Asie. Avec « Soudain » de Rysuke Hamaguchi, une production hybride franco-japonaise figurait parmi les lauréats : le réalisateur venait du Japon, mais l’action se déroulait à Paris. Trois réalisateurs japonais et une production coréenne (« Hope » de Na Hong-jin) étaient d’ailleurs en compétition. Mais le sud de l’Europe était également bien représenté. Trois films venaient d’Espagne, et le lauréat de la Palme d’or, Christian Mungiu, était roumain.
Cette année, l'élargissement de la section Cannes Classics, avec un nombre de projections nettement supérieur à celui de l'année précédente, a retenu l'attention. C'est Guillermo del Toro qui a ouvert le bal, venu à Cannes pour présenter la version restaurée de son classique « Le Labyrinthe de Pan » (El laberinto del fauno, 2006). Le grand critique américain Roger Ebert, aujourd’hui décédé, l’avait qualifié de « l’un des plus grands films fantastiques de tous les temps, même s’il est si fermement ancré dans la réalité de la guerre ». Se déroulant dans la période qui a suivi la guerre civile espagnole, del Toro plonge dans l’univers imaginaire d’une fillette de onze ans, où une créature fabuleuse incarne ses rêves et ses cauchemars. Sergi López, qui avait impressionné l’année dernière dans le film espagnol « Sirāt » (réalisé par Óliver Laxe) dans le rôle d’un père désespéré, incarne dans « Le Labyrinthe de Pan » le beau-père brutal, un officier franquiste.
La projection de « Farewell, My Concubine » (Adieu, ma concubine, titre original : Bawang bieji) de Chen Kaige, qui avait remporté la Palme d'or en 1993 ex aequo avec « La Leçon de piano » de Jane Campion, a également été spectaculaire. Gong Li, l'actrice principale du film, qui a ensuite mené une carrière internationale et est devenue une icône publicitaire pour L'Oréal, était venue à Cannes pour présenter la version restaurée. La veille au soir, elle avait déjà officiellement ouvert le festival. Je me souviens à quel point ce film m’avait impressionné au début des années 90. C’était l’époque où les films chinois de la « 5e génération » commençaient à conquérir les festivals internationaux.
À travers l'histoire de deux artistes de l'Opéra de Pékin, Chen Kaige raconte les bouleversements de l'histoire chinoise au XXe siècle. L'intrigue commence en 1977, peu après la fin de la Révolution culturelle. Les deux stars de théâtre Dieyi (Leslie Cheung) et Xialou (Zhang Fengyi) sont autorisées à reprendre leur pièce « Adieu, ma concubine ». Retour dans les années 1920 : les orphelins Douzi et Shitou sont formés au sein de la troupe d'opéra du sadique Maître Guan, Douzi pour les rôles féminins, Shitou pour les rôles masculins.
Une attirance homoérotique se développe entre eux, mais elle ne se concrétise jamais. Au lieu de cela, Shitou épouse la belle Juxian (Gong Li). Nous les suivons dans leur ascension vers la célébrité à l’opéra, alors qu’ils se produisent devant les occupants japonais dans les années 40 et assistent à la victoire des communistes sous Mao. Les images de la Révolution culturelle à partir de 1966 sont les plus difficiles à regarder. Les représentations de l'Opéra de Pékin sont interdites, considérées comme une relique bourgeoise ; Dieyi et Xialou sont humiliés en public et traînés dans les rues. Ils ont de la chance d'en sortir vivants. Ces images sont d'autant plus bouleversantes que Chen Kaige y traite de ce qu'il a lui-même vécu lorsqu'il a dénoncé son père pendant la Révolution culturelle.
À l’âge de 14 ans, comme beaucoup d’adolescents, il fut pris dans la tourmente de la Révolution culturelle, portée principalement par les élèves et les étudiants. On leur demandait de dénoncer leurs parents comme des « contre-révolutionnaires ». Le père de Chen travaillait comme réalisateur de films d’opéra au studio de cinéma de Pékin, tandis que sa mère écrivait des scénarios. En 1968, Chen fut envoyé de force à la campagne pour y effectuer des travaux obligatoires. Lorsque l’Académie du cinéma de Pékin a rouvert ses portes en 1978, il faisait partie, avec Zhang Yimou (qui a assuré la caméra sur « Adieu, ma concubine »), de la « 5e génération » de réalisateurs chinois. Si l’on associe l’importance de l’opéra de Pékin et les expériences traumatisantes de la Révolution culturelle, on comprend l’énorme importance personnelle que revêt ce film pour Chen Kaige.
La section Cannes Classics a été l'occasion d'une rencontre entre deux réalisateurs polonais légendaires, Jerzy Skolimowski et Andrzej Wajda. Aujourd’hui âgé de 88 ans, Skolimowski a fréquenté la célèbre école de cinéma de Łódź et a écrit des scénarios pour Andrzej Wajda et Roman Polanski avant de réaliser son premier long métrage, « Rysopis » (Signes particuliers : aucun), en 1965. Dans les années 70, il a quitté la Pologne pour travailler en France et en Angleterre. « Moonlighting » (1982) est un chef-d’œuvre injustement tombé dans l’oubli de cette époque. Un groupe d’ouvriers polonais est envoyé à Londres pour rénover l’appartement d’un fonctionnaire du parti. À Varsovie, ils font passer leurs outils en contrebande à la douane et s’envolent pour Londres avec un visa touristique.
Jeremy Irons incarne le contremaître Nowak, le seul à parler anglais, qui veille à ce que les autres ouvriers ne sortent pas de la maison afin de ne pas éveiller les soupçons. Pendant que les hommes abattent des cloisons, posent de nouvelles canalisations et de nouveaux revêtements de sol, Nowak fait les courses et achète le matériel nécessaire. Ses tentatives pour communiquer avec les voisins offrent à Skolimowski l’occasion de brosser des portraits sarcastiques de la petit-bourgeoisie anglaise.
Lorsque des accidents surviennent et qu’une canalisation d’eau éclate, l’ambiance se dégrade de plus en plus. Nowak est à court d’argent, il doit se livrer à de petits larcins et réagit de manière de plus en plus autoritaire face au mécontentement des ouvriers. On suit avec le souffle coupé ses manigances à la caisse du supermarché, en espérant toujours qu’il ne se fasse pas prendre. Pendant ce temps, en Pologne, comme Nowak l’apprend dans le journal, le mouvement Solidarność est réprimé et la loi martiale est décrétée. Lorsqu’ils n’ont plus d’argent pour le métro, les hommes doivent marcher six heures en pleine nuit pour rejoindre l’aéroport.
Skolimowski a écrit le scénario lorsqu’il a appris l’instauration de la loi martiale en Pologne, puis a tourné le film en quelques semaines avec un petit budget. On peut voir « Moonlighting » comme une parabole sur l’exploitation sous le socialisme d’État polonais, tout en s’amusant de la confrontation entre les ouvriers polonais et les locaux anglais.
Un peu plus tôt, Andrzej Wajda avait réalisé son film « L'Homme de fer » (1981), qui retraçait les grèves à Gdansk et la naissance du mouvement Solidarność. Wajda craignait des répressions de la part de l’État et réussit à terminer le film avant la proclamation de la loi martiale. Il dut toutefois tourner en hiver, comme l’a raconté Krystyna Janda, l’actrice principale, lors de la présentation à Cannes, tandis que les grèves avaient eu lieu durant l’été 1980.
Le journaliste radio Winkel (Marian Opania) est envoyé au chantier naval Lénine à Gdańsk afin de discréditer les grèves en les qualifiant d’« actions contre-révolutionnaires irresponsables ». Mais Winkel, alcoolique, devient peu à peu un sympathisant lorsqu’il rencontre les ouvriers rebelles et leur leader Lech Wałęsa (qui joue son propre rôle dans le film). Andrzej Wajda a réuni une distribution prestigieuse aux côtés de Krystyna Janda : Jerzy Radziwiłowicz incarne le militant Maciek Tomczyk, Bogusław Linda le technicien radio Dzidek, et Janusz Gajos le directeur de la radio d'État. Le film gagne en authenticité grâce à l'utilisation d'images d'archives des négociations entre les représentants de l'État et les grévistes. « L'Homme de fer » a remporté la Palme d'or à Cannes en 1981.
La section Cannes Classics souligne l'importance que le Festival accorde à l'histoire du cinéma et offre une rencontre passionnante entre le passé et le présent du cinéma. Des liens et des références se dessinent, qui permettent non seulement de redécouvrir des classiques, mais aussi d'enrichir la perception des nouveaux films.